Disney Minus: El espíritu de 1943

¡Guerra! ¡Educación! ¡Muerte! Disney adopta la animación rápida y eficiente en una lucha por la supervivencia en el frente internacional y nacional.

“Cuando el Tío Sam se unió a nosotros en el lote, trajo consigo una institución nueva y necesaria”, dice The Ropes at Disney, un manual ilustrado entregado a los empleados en 1943. “Nos referimos, por supuesto, a la placa de identificación”.

"El punto es (y no estamos bromeando) que no puedes pasar por la oficina de tiempo, ni por la mañana ni por la noche, sin tu placa". Fue una señal de los tiempos en Disney, un indicador de que las dos primeras décadas de experimentación artística habían dado paso a algo más. Una guerra mundial, huelgas, decepciones comerciales y una plantilla de personal muy modificada habían puesto fin a la primera Edad de Oro.

Sin embargo, hay pocos años en el siglo de la historia de Disney que sean tan significativamente significativos como 1943. Habían pasado 20 años desde que Laugh-O-Gram Studio quebró y Walt y Roy fundaron el estudio Disney Brothers. Dos décadas después, Disney se enfrentaba una vez más a una crisis financiera y creativa.

Ese año no se estrenó ningún clásico animado importante, pero produjo algunas de las animaciones más intrigantes de Disney. Su producción en ese momento fue prolífica y, sin embargo, solo dos cortometrajes de 1943 están actualmente en Disney+. Mientras el mundo estaba en guerra, el espíritu de 1943 vio cortos educativos, propaganda y debuts icónicos en igual medida.

La década de 1940 ya había sido una década tumultuosa para Disney. Tras las decepciones financieras de Fantasía e incluso de Bambi, junto con la prolongada huelga de animadores de 1941 que cambió la cultura del estudio, Walt probablemente aprovechó la oportunidad de conseguir algunos contratos garantizados.

Esas oportunidades llegaron en forma de trabajo gubernamental. En 1941, el Departamento de Estado de los Estados Unidos y la Oficina de la Coordinadora de Asuntos Interamericanos (CIAA) solicitaron a Disney realizar una gira de buena voluntad por Sudamérica como parte del Programa del Buen Vecino. En ese momento, Estados Unidos temía que ciertas partes de América Latina se inclinaran hacia el Eje y deseaba utilizar los vínculos culturales para fortalecer las conexiones latinoamericanas.

Walt y unos 20 artistas viajaron por Sudamérica y las películas estarían garantizadas por el gobierno. Esto último fue especialmente bueno para el estudio con problemas de liquidez, lo que resultó en películas como Saludos Amigos (1942), Los Tres Caballeros (1944) y algunas de las primeras incursiones de Disney en cortometrajes educativos.

Sin embargo, a finales de 1941, tras el ataque japonés a Pearl Harbor, Estados Unidos entró en la guerra. Disney ya estaba haciendo películas para vender bonos de guerra canadienses, como The Thrifty Pig. En 1942, el ejército literalmente se había mudado a sus oficinas para proteger la cercana base de Lockheed, momento en el que Walt hizo Formación de hielo en aviones como prueba técnica de concepto para videos de entrenamiento militar. Ese mismo año, Disney utilizó al Pato Donald para lograr que la gente presentara sus impuestos a tiempo en The New Spirit, una película que, según la encuesta de Gallup, fue vista por alrededor de 60 millones de personas.

El experimento dio sus frutos en cierto modo. “En 1943, el estudio sólo se había hundido aún más en el pantano de la guerra” sólo se había convertido más en una fábrica de defensa y menos en un estudio de cine”, escribe Neal Gabler en Walt Disney: The Triumph of the American Imagination (2006). "El noventa y cuatro por ciento de la producción iba ahora al gobierno, y sólo en junio de 1943 el estudio produjo sólo 2.300 pies menos de película que la que había producido en todo 1941".

Mantuvo a los lobos financieros alejados por un tiempo, pero ¿fue bueno?

El tono de 1943 se estableció temprano con Der Fuehrer's Face, también conocido como aquel en el que el Pato Donald es un nazi, aunque muy reacio. Originalmente titulado Donald in Naziland, el nombre fue cambiado gracias al gran éxito de una canción homónima de Oliver Wallace, popularizada por Spike Jones.

El cortometraje aterriza en una América en guerra total y bajo un intenso racionamiento. Así pues, la satirización de la vida en la “Tierra Nutzi” tenía dos caras: atacaba al enemigo como presa fácil, utilizando caricaturas raciales de alemanes y japoneses, y un humor amplio para disminuir su poder. También pretendía mostrar cuán peor era la opresión bajo la dictadura alemana, caracterizada por el castigo de Donald por una línea de producción anterior a I Love Lucy.

Presenta una secuencia surrealista de conchas danzantes que es combustible para pesadillas, como una versión oscura y retorcida de la escena del elefante rosa de Dumbo. Culminando con Donald despertándose en casa declarando: "¿Me alegro de ser ciudadano de los Estados Unidos de América?" (y un tomate en la cara de Hitler), el público está invitado a cantar por última vez. (Ahora intenta dormir con la imagen añadida de miles de niños de los años 40 cantando una canción sobre Hitler).

Con Education for Death, basada en un libro de Gregor Ziemer y subtitulada 'The Making of the Nazi', es justo decir que Disney rara vez ha presentado una caricatura más escalofriante. “¿Qué caracteriza a un nazi?” pregunta el narrador Art Smith en la escena inicial, con un dramático acercamiento a un símbolo de odio. Desde el nacimiento de un niño alemán hasta su servicio como soldado, este es el gemelo más serio del cómico Der Fuehrer's Face. Si bien hay escenas de comedia, específicamente las escenas de Hitler con armadura de caballero llevando a Alemania a dar un “paseo”, esta es una narrativa tan oscura como parece.

Utilizando una caricatura, aquí la primera adaptación de Disney de La Bella Durmiente se reformula como el cuento de hadas que Hitler le cuenta al pueblo alemán. El viaje del niño antes mencionado rastrea las leyes de los nombres, la eliminación de la empatía de los niños y sus padres, y el desarrollo del odio por cualquier signo de diferencia.

Los momentos finales de esta película son legítimamente aterradores. Después de un montaje de quema de libros y reemplazo cultural, vemos la horrible visión de los soldados alemanes marchando al unísono, con sus multitud de rostros oscurecidos por bozales de perros de tamaño humano, antes de que todos sean reemplazados por tumbas en un campo de batalla. Es algo sombrío.

Por el contrario, si Reason and Emotion se lanzara fuera de los estrechos límites de los esfuerzos de la guerra, probablemente sería considerado uno de los grandes de Disney. Es sin duda una pieza de propaganda en esta forma inédita, pero también tiene uno de los motivos más duraderos en el entretenimiento: es decir, mirar las personalidades dentro de la cabeza de las personas.

Inspirando a Inside Out y Herman's Head en igual medida, todavía hay elementos de esto que fechan en gran medida la película en 1943. Cuando el Hombre ve a una mujer que pasa, hay algunos pensamientos que pueden no volar en la obra de Disney de 2023, lo que sugiere que esto fue Probablemente hecho para adultos en ese momento. Para una mirada comparativa al interior de la mente de una mujer, el narrador pregunta: "¿Podemos tomar prestada tu bonita cabeza por un momento?" Mientras estamos allí, vemos que la lucha es entre el hambre y la razón. "Las emociones descontroladas pueden causarte muchos problemas", dice el narrador, y las imágenes nos dicen que se refiere a "estar gordo".

El quid de los elementos propagandísticos llega con la presentación de un hombre estresado por todos los rumores que escucha sobre la guerra. Personificados como fantasmas, estos maravillosos non sequiturs animados demuestran que las emociones desenfrenadas pueden hacer que usted sea fácilmente controlado. Luego, el corto utiliza abiertamente la Alemania de Hitler como comparación, lo que lo convierte en una pieza complementaria de Educación para la muerte. El alemán es retratado como un líder irracional que escupe palabras, suprime la razón y dirige por “miedo al campo de concentración, miedo a la Gestapo”. Al igual que Chicken Little, estrenada a finales de 1943 como una alegoría del alarmismo, esta película fue una disección de la propaganda nazi. No son sutiles, pero son imágenes efectivas para una nación en tiempos de guerra.

Personajes familiares también continuaron sus aventuras durante la guerra. Donald se inscribió en el servicio en 1942 con Donald Gets Drafted, y Disney siguió eso a lo largo de seis cortos, incluido el muy divertido Fall Out – Fall In. Paralelamente a las aventuras de Donald en Nutzilandia, volvió a explicar los beneficios de ahorrar para impuestos para vencer al Eje en El espíritu del 43, se vio acosado por Spike the Bee (y sus sobrinos) mientras detectaba aviones en Home Defense y luchó contra el racionamiento de caucho en Los problemas con los neumáticos de Donald. Es posible que sus travesuras en The Old Army Game, en el que Donald se apunta con un arma a la cabeza, hayan hecho que lo expulsen de las fuerzas armadas.

La estrella en decadencia, Mickey, en realidad solo apareció una vez en 1943 en Plutón y el armadillo, ambientada en Uruguay, otro producto de la iniciativa de la CIAA, y sus coprotagonistas titulares lo eclipsan. Goofy puso su granito de arena en el frente interno al mostrar una variedad de formas de transporte ridículas pero divertidas en Victory Vehicles, completadas con la pegadiza melodía, 'Hop on Your Pogo Stick'. Incluso Plutón se inscribió en Private Pluto, luchando contra un par de ardillas listadas y haciendo que 1943 fuera significativo como el año de debut de Chip 'n Dale.

Una de las producciones cinematográficas más famosas del año finalmente no se realizó. Los Gremlins fue escrito por un nombre reconocible: el teniente de vuelo Roald Dahl. Sí, dos décadas antes de James y el melocotón gigante y Charlie y la fábrica de chocolate, este fue el primer libro para niños de Dahl. Con portada de Mary Blair e ilustraciones de Bill Justice y Al Dempster no acreditados, cuenta la historia de las criaturas titulares descubiertas por los pilotos de la RAF que perforan agujeros en las alas de sus aviones. Originalmente pensada para ser filmada como un largometraje, se imprimieron 50.000 copias en los EE. UU., aunque la escasez de papel impidió una reimpresión rápida. Gracias en parte a las preguntas sobre los derechos y a la insistencia de Dahl en la aprobación del guión, la película en sí nunca se realizó. El corto de Warner sobre Bugs Bunny, Falling Hare, se estrenó el mismo año con una premisa similar.

Si bien la película The Gremlins no se produjo, surgió otra adaptación de una fuente poco probable.

“El hecho más significativo de la guerra que ahora está en curso es el surgimiento de la aviación como factor primordial y decisivo en la guerra”, dijo el pionero de la aviación ruso-estadounidense Alexander P. de Seversky en su libro Victory Through Air Power. Continúa describiendo el impacto devastador de Nueva York, Detroit, Chicago y San Francisco “reducidos a escombros en las primeras veinticuatro horas” de un ataque enemigo. Su comprensión fundamental era que la naturaleza de la guerra había cambiado. "Sólo hay un objetivo: todo el país". En otras palabras, Estados Unidos necesitaba una fuerza aérea dedicada.

Fue un argumento muy persuasivo. Tanto es así que el único largometraje del estudio estrenado para el esfuerzo bélico surgió como una especie de proyecto apasionante de Walt Disney. Basada en el libro de Seversky, Walt quedó tan convencido de sus principios que se dice que financió personalmente la animación de esta película. Como dijo Leonard Maltin en la introducción del DVD de 2004: "Walt simplemente puso su dinero donde estaba su boca".

En el canon de las películas de Disney en tiempos de guerra, Victory Through Air Power se distingue no solo por su duración, sino también por intentar ser educativa y entretenida. Tiene un punto que destacar: está ahí, en el título. Sin embargo, esto no impide que Disney traiga drama en todo momento. Como afirma el avance de esta película, es una "visualización gráfica emocionante del libro". Walt se apresuró a poner esto en producción para visualizar la urgencia de la noción, de otro modo abstracta, de guerra aérea.

Sin embargo, es en la animación pura donde la película es más efectiva. El problema de depender del transporte marítimo se muestra animando un cuello de botella gigante real. Los mapas animados dominados por los símbolos del eje muestran el potencial de su alcance con tentáculos envueltos alrededor del mundo. Al imaginar la guerra que se avecinaba en 1947 y 1948, la película aboga por una “carretera hacia la victoria” que atraviese Alaska. Pocos espectadores de la época pestañearían ante las representaciones ofensivas de alemanes y japoneses, y aquí se utilizan con una intención implacable.

Los momentos finales de la película son los más poderosos, sacando los pronósticos fatales de Seversky de la página y llevándolos a la realidad animada. Las bombas lanzadas desde arriba perforan profundamente la Tierra y destruyen ciudades. Como una especie de película de kaiju antigua, un águila gigante lucha contra un pulpo igualmente grande antes de aterrizar sobre una bandera estadounidense. Claro, es propaganda obvia, pero vale la pena repetirlo: estamos en 1943 y el mundo está en guerra.

El resultado fue tangible y, según se informa, tanto Winston Churchill como Franklin D. Roosevelt solicitaron copias impresas y finalmente quedaron convencidos por su mensaje. Además, los ciudadanos estadounidenses recibieron un poco de entretenimiento educativo teatral para demostrar su apoyo.

En algunos casos, se trataba simplemente de diagramas y mapas técnicos para películas de entrenamiento militar, como la serie Aerology para Lockheed y el ejército. Estas incluyeron películas como La teoría del piloto automático C-1, Reparación de madera de aviones y decenas de horas de animación seca que salpicaron las producciones de entrenamiento. En el caso del Sistema de control electrónico del piloto automático C-1 Parte 1: Electricidad básica, Disney desarrolló personajes animados completos como Mr. Volt y Mr. Current para explicar cómo funciona la electricidad.

Continuando con su trabajo con el gobierno en las relaciones latinoamericanas para la CIAA, se proyectan películas de salud como El grano que construyó un hemisferio, Agua: ¿amiga o enemiga? y The Winged Scourge (con un cameo de Seven Dwarfs) proporcionaron información importante sobre la salud y al mismo tiempo proporcionaron una animación llamativa pero rentable. Figuras y objetos muy realistas, a menudo asignados a animadores como Bill Tytla, Josh Meador y Ed Aardal, les dieron a todos ellos una apariencia y sensación únicas.

Uno de mis favoritos personales del año es Defensa contra la invasión, diseñado para enseñar a la gente cómo funcionan las vacunas. Si algo nos han demostrado los últimos años es que esto ha vuelto a estar de actualidad.

La película es un híbrido de acción real y animación que explica cómo funciona el sistema inmunológico y la forma en que las vacunas ingresan al cuerpo. Si estás familiarizado con el anime moderno Cells at Work!, esto te resultará familiar retroactivamente. Hay una pequeña ciudad modelo dentro del cuerpo, donde la enfermedad actúa como saboteadora de las células de la fábrica que trabajan duro. En el contexto de un conflicto armado global, las vacunas actúan como una analogía de una fuerza de defensa bien armada.

“El estertor de las vacunas se escucha por todos lados”. De hecho, aquí se muestran niveles de violencia que pica y rasca. Se construye todo un pequeño ejército y una fuerza aérea de células buenas para luchar contra la enfermedad invasora, trazando una línea entre el contacto superficial y las enfermedades transmitidas por el aire. A pesar de las analogías de la guerra, todo es un territorio muy familiar en esta era pospandémica, con una animación que se siente fresca y moderna.

"No es visionario ni presuntuoso por nuestra parte anticipar el uso de nuestro propio medio en el plan de estudios de todas las aulas del mundo", dijo Walt Disney en 1943.

Cualquier niño que haya visto La historia de la menstruación, la serie Upjohn Triangle of Health o las lecciones de vida de Pepito Grillo puede dar fe de ello. Es muy probable que en algún momento entre los años 60 y 80 hayas visto una película o un vídeo que le dio a tu profesor la oportunidad de tomar una siesta rápida en la parte de atrás. Más que nada, 1943 solidificó la reputación de Disney de ofrecer animación educativa influyente y rentable.

Si bien es obvio por qué Disney no ha publicado gran parte de la producción del año en su servicio de transmisión insignia, ni mucho de nada parecido a un lanzamiento oficial desde los DVD de Walt Disney Treasures: On the Front Lines en 2004, hay una mina de oro de estilos de animación y contenido para aquellos que estén dispuestos a investigar.

Disney pasaría la mayor parte de la década haciendo paquetes de películas y películas recopilatorias, continuando su trabajo educativo a través de programas comerciales y gubernamentales, y ramificándose aún más en películas de acción en vivo y híbridas. Entonces, si bien 'Disney 20' puede no ser tan sexy como la campaña de Disney 100, sigue siendo un archivo importante de un momento en el tiempo y un punto de inflexión crucial para una empresa creativa.

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Editor de TheReelBits. Puede ver la línea de pensamiento sin filtrar de Richard en Twitter @DVDBits. Su diario cinematográfico completo está en Letterboxd. El libro de Richard, Objetivo en movimiento: la historia y la evolución de Green Arrow ya está disponible en Sequart.